奇想會全新展覽《Beautiful Oblivion》，將由日本藝術家塚本曉宣與杉野ギーノス一同帶來雙人展。在《Beautiful Oblivion》的主題之下，兩位藝術家希望能喚起那些被遺忘的應做之事，帶著重新認識「我們究竟想做些什麼呢？」的心情欣賞這次展覽的作品。

塚本與杉野的創作看似截然不同，但其作品中運用的鮮豔色彩與具流行風格的主題卻有著共通之處，這種色彩與主題的並列，為本次展覽帶來了新的融合。此外，兩人都擅長使用拼貼與取樣等技法，不僅在各自的作品中展現出獨特的語彙，更透過展覽將這些技法交織，組合出僅憑單人展覽無法達成的新雙人展可能性，展現了全新的創作視野與潛力。

塚本曉宣的創作以流暢的曲線與和諧的色彩構成為特色，致力於展現角色中隱藏的線條與色彩之美。他認為，這種對形態與色彩的執著是每件作品的靈魂所在，希望觀眾在欣賞時能細細品味其中的細節，感受作品傳遞的微妙情感。

塚本曉宣的創作靈感源自閱讀、展覽以及日常生活。他經常透過散步或沉浸在藝術畫集中獲得啟發，並將這些靈感轉化為作品中的細節，他的藝術旅程始於童年，他選擇用畫筆探索世界，大學時期的專業訓練讓他進一步奠定了創作基礎，而他也提到安迪·沃荷與羅伊·李奇登斯坦等是影響他的藝術家。

在這次展覽中，他的配色過程以鉛筆草圖為起點，逐步構建出完整的色彩結構，既注重色彩協調，也融入適度變化，讓每件作品都充滿驚喜。此外，塚本曉宣認為，創作的核心在於獨特風格、致敬與技術探索。他期待觀者能透過她的作品發現不同的思考角度，並與他人分享交流。未來，他希望在延續現有主題的基礎上，融入更多微妙變化，創造出令人耳目一新的藝術語言。

杉野ギーノス的創作以「法則與限制」為核心，透過獨特的形式探索自由與創新。他的作品系列《Manymore（メニモア）》最初以熊、狗、貓等動物形態為靈感，隨後逐漸轉向抽象概念，突破生物的框架。對他而言，規則的存在並非限制，而是創作驅動力。他認為，遵守規則後的適度破壞，才能為創作者與觀者帶來驚喜與發現。

杉野的作品以鮮豔色彩、啞光質感和圓潤造型為特色。他使用油畫棒創作，這種繁瑣且難以修改的技法，成為他的表現形式之一。杉野特別注重色彩之間的明暗與彩度對比，讓每件作品展現鮮明而強烈的視覺衝擊。他的創作靈感源於街頭日常，例如行人的服裝配色或自然界的現象。此外，受日本漫畫家橫山裕一啟發的杉野ギーノス，作品反映了既遵守規則又打破規則的創作哲學。他提到，橫山的角色中暗藏的偶然變化，讓人驚嘆，而這正是他作品的核心。

奇想會全新展覽《Closest and Farthest Thing》邀請來自日本新潟的藝術家相川惠子，詮釋她以油彩描繪的人物畫作。透過拆解臉部元素的獨特視角，相川惠子試圖揭示人類表面看不見的複雜性與多面性，這種藝術表達並非刻意破壞，而是希望觀者能夠接受並理解人類內在的多樣性，甚至認識到自身的複雜性。相川惠子的畫作不僅是對人類面貌的描繪，也是一種對抗偏見、刻板印象和既有概念的藝術表達。她的作品蘊含著強烈的呼籲，挑戰人們對於人性的簡化與偏見。

相川惠子的藝術生涯起源於她對漫畫的熱愛，從小就夢想成為漫畫家。後來進入大學後，她接觸到了現代藝術，逐漸開始了正式的藝術創作活動。她深受弗朗西斯·培根的影響，尤其是在探索人類內心情感的複雜性上。此外，她對大竹伸朗的多產創作以及其跨界創作的能力充滿敬佩，這啟發了她在藝術中的多樣性探索。靈感方面，參觀美術館或欣賞其他藝術家的作品對相川來說極具啟發性。這些經驗往往能激發她的創作欲望，有時她甚至會從自己的筆觸中找到靈感，讓她的創作過程充滿偶然的發現與驚喜。

相川惠子也分享她的創作靈感與理念，她坦言：「透過描繪臉部，我彷彿觸碰到了全新的自己。畫得越多，我越覺得無法理解自己，最靠近和最遙遠的事物便是自己。」她的作品表現出一種在自我與人類情感間的模糊探索，正是這種對無窮盡的探索推動著她不斷創作。相川惠子也強調，她的作品並不容易用一句話來概括。每個人對她的作品的印象都會有所不同，這源自於她的創作處在具象與抽象之間的模糊地帶。她希望通過這種模糊感，讓觀者產生不同的見解與情感共鳴。

相川惠子在創作過程中非常注重臉部表情和眼睛的細節。她不喜歡拘泥於單一風格，而是喜歡嘗試不同的表達方式。對她來說，創作並非按計劃進行，而是在與畫布的對話中，通過不斷的實驗和探索，找到新的靈感。她表示，眼睛和表情是她創作中最重要的部分，總是努力找到新的方式來表現這些細節。

色彩是相川惠子作品中的重要元素。她的選擇多半依靠直覺，喜歡飽和度全然不同的色彩搭配在一起，創造一種視覺上的衝突與平衡。這種色彩搭配賦予她的作品一種情感深度，同時也突顯了作品中的內在張力。她認為，創作過程中的最激動人心的時刻來自那些意外的成功或色彩搭配的發現。這些瞬間往往讓她感到創作的意義與樂趣。相川認為，實驗、色彩和忘記既有的風格是她創作中不可或缺的3大元素，這讓她的作品不斷自我更新與突破。

《わたしのもっともらしい部分》：這是此次個展中創作時間最長的作品之一。相川惠子多次重畫這幅作品，最終成為她內心最真實情感的表現。她特別在這幅作品中描繪了長髮，這在她的創作中並不常見。她認為，長髮能夠表達出一種纖細和脆弱的情感，正如人類情感中最敏感的部分。

《言葉の意味がなくなっていく》：這幅作品展示了臉中有臉的構圖，象徵人類無法用語言完整表達的情感。相川在極快的創作過程中完成了這件作品，展現了她對內在情感與語言之間張力的思考。

《無限に複雑なもの》：這原本是一件失敗的作品，最終經過重新創作後轉變為展覽中的亮點。相川惠子在作品中保留了底層畫面的部分，展示了藝術創作中的偶然性和不可預測性，這讓她的作品充滿了無限的可能性。